Parallèlement à la bande des huit Hunters, plusieurs rôles secondaires sont très présents au fil des dix épisodes. L’enquêtrice du FBI noire et homosexuelle, toujours en tailleur-pantalon un peu sage, probablement pour s’affirmer dans sa fonction, est très bien jouée par Jerrika Hinton ; elle apporte à son personnage solidité, authenticité, sagesse, courage.

Jeannie Berlin joue avec originalité et une très grande finesse la grand-mère très aimante du jeune héros, rescapée des camps, femme au fort caractère tout en étant dans la douceur (avec une élocution lente et un peu saccadée). On la voit peu à l’échelle des deux saisons, mais, à chaque apparition, son interprétation crée un beau fil rouge.

Le rôle de Greg Austin ne me convainc pas totalement : joli garçon glacial et totalement de type aryen, avec de faux airs de Brian Jones, c’est un tueur à gages des nazis dans les années 70, pervers et inquiétant (de plus en plus au fil des épisodes), mais peut-être un petit peu trop fade et lisse, à la Brad Pitt (acteur que je trouve profondément ennuyeux et surestimé), et peut-être pas tout à fait crédible dans son rôle de psychopathe qui aime parler placidement et d’une voix douce pour mettre mal à l’aise les gens qu’il compte effrayer ou tuer.

Dylan Baker est très bien pour le rôle de l’ex-nazi devenu homme politique aux États-Unis : lors des premiers épisodes, les réalisateurs le font peut-être un peu trop jouer façon bande dessinée le pourri pathétique, minaudant, hypocrite et sans scrupules, ça peut agacer. Mais lorsqu’il se retrouve en grande difficulté, le fait d’être aux abois le transforme davantage en vrai méchant, pas juste en cabotin cachant son passé pour préserver sa carrière et son impunité, et il devient bien plus intéressant.

Et, avec son allure de gros bébé un peu timide, Caleb Emery est très touchant en copain en surpoids du héros.

Par curiosité, j’ai regardé la fiche Wikipédia d’un grand nombre d’acteurs qui font juste une apparition (cela me permet de découvrir que l’acteur allemand Christian Oliver, qui joue un nazi pendant la guerre, est mort dans un accident d’avion il y a exactement six mois, avec ses filles de dix et douze ans…) : il est fascinant/déroutant/décourageant de voir à quel point des acteurs qui assurent complètement pour un tout petit rôle ont une carrière maigre et de seconde zone, essentiellement à la télé, et certains n’ont même pas de fiche Wikipédia (et ce sera la même chose pour la deuxième saison, certains accomplissant même l’exploit d’avoir une fiche Wikipédia qui n’est plus à jour depuis des années et est uniquement en français, alors qu’elles sont habituellement traduites de la fiche Wikipédia en anglais). C’est vraiment un métier où la réussite est très, très aléatoire et dépend de la chance…

Un exemple : le comédien qui joue Al jeune (sans être du tout un sosie d’Al, néanmoins), Zack Schor, se débrouille très bien. D’ailleurs, il fait beaucoup penser à Ralph Fiennes au même âge, ce qui démontre qu’il a un certain charisme. Eh bien sa carrière est quasi inexistante. (Je verrai dans un deuxième temps qu’il est le petit-fils de rescapés de la Shoah, sa participation au film est donc très poignante.)

Par ailleurs, sans être franchement reconnaissables et connus du grand public, certains acteurs de cette série ont joué avec de grands cinéastes : Dylan Baker, Barbara Sukowa, Judd Hirsch (qui a en commun avec Al d’avoir eu un premier rôle masculin dans un film de Sidney Lumet — À bout de course, que je n’ai pas du tout aimé), James LeGros, et Lena Olin, troublante de ressemblance avec Victoria Beckham (en ayant dix-neuf ans de plus) et parfaite de méchanceté et de froideur souriante en chef nazie dans les années 70.

La bande originale est un atout de plus : ont été idéalement choisis et placés Blue Bayou, de Roy Orbison, Paint it black, des Stones, Sweet Nuthin’, du Velvet Underground, et The End, des Doors.

Encore mieux : j’ai dit dans mon introduction à ce Marathon Pacino que j’aurais aimé qu’Al soit davantage associé, à l’écran, à de sublimes musiques (bien que, avec les mélodies du Parrain, il ait été servi). Aussi, entendre mon idole Django Reinhardt (dans l’épisode 9, à la 10e minute,) alors qu’Al est à l’écran, c’est atteindre le Graal. Hélas, la musique (une reprise de La Mer, la célèbre chanson de Charles Trénet) est seulement en arrière-fond dans la pièce, on ne l’entend pas bien, et encore moins lorsque les personnages parlent. De plus, il y a d’abord trente secondes où c’est Grappelli qui est en solo (au violon), et ce n’est pas intéressant, puis Django en solo pendant seulement 46 secondes. C’est une belle occasion ratée, il aurait fallu le solo de Django dans son intégralité (il dure exactement une minute), et surtout que la musique soit au premier plan, comme pour les morceaux que je viens de nommer plus haut.

Surprise pour moi, il y a de nombreuses scènes atroces dans les camps de concentration (ou des scènes de rafle), j’en étais restée aux polémiques sur le sujet lors de la sortie de La Liste de Schindler (1993) et de La Vie est belle, de Benigni (1997) : était-il possible, tolérable, décent de reconstituer pour une fiction ce qui a eu lieu dans les camps ? Il me semblait qu’un consensus faisait que les cinéastes ne s’aventuraient pas dans cette entreprise, sauf cas rares, en particulier Le Fils de Saul, en 2015.

Pour me faire une idée sans tarder, je regarde ce film sur-le-champ : choc total, bouleversement total (je savais pourtant pertinemment de quoi il s’agissait). Qu’un cinéaste puisse avoir l’idée de filmer l’intérieur d’un camp de concentration de façon aussi radicale et unique au monde, qu’il ait eu le courage de s’obstiner quand il a essuyé un refus pour l’aide à l’écriture de la part d’Arte et du CNC, qu’il arrive à mêler constamment à l’image la plus grande inhumanité (l’arrivée des déportés dans une chambre à gaz, leur déshabillage et leur nudité, alors qu’ils ne savent pas qu’ils seront morts quelque minutes plus tard — on pense d’ailleurs souvent à Salo, de Pasolini —, la violence permanente des nazis) et la plus grande humanité (la volonté d’un déporté d’enterrer son fils en cachette pour qu’il ne soit pas brûlé), que la mise en scène, le jeu des acteurs, la photographie, le montage atteignent une même excellence, qu’un tel film ait obtenu l’Oscar du meilleur film étranger et le Grand prix du jury à Cannes, voilà qui me réconcilie avec le cinéma contemporain.

Mais que la carrière du réalisateur, Laszlo Nemes, n’ait pas explosé dans la foulée (un seul film depuis neuf ans, avec seulement 41 000 entrées en France, et, d’après les critiques et les spectateurs, une narration bien trop compliquée et tortueuse…), ça me stupéfie et me désole.

Je reviens à Hunters. Le seul vrai point faible de cette série est les vulgarités, obscénités et jurons trop récurrents. Je suis d’ailleurs consternée que, dans le cinéma américain, les personnages disent autant fuck et fucking, comme s’ils ne pouvaient plus s’exprimer sans ce tic de langage. On a l’équivalent dans certains films français, hélas. Autrefois, on pouvait regarder des séries en famille sans entendre cela (je pense avec nostalgie à Amicalement vôtre, par exemple, un chef-d’œuvre dans la catégorie des séries télé familiales et distrayantes), c’est triste que le vocabulaire que l’on nous impose à l’écran désormais soit souvent si laid et avilissant.

Pire encore : un épisode commence avec une (très courte) scène pornographique gay (trente-huit ans d’écart entre les deux acteurs, ça m’a rappelé la première séquence de My own private Idaho, de Gus Van Sant, même cas de figure, mais où la scène était bien plus longue et encore plus crue, âmes sensibles s’abstenir). Je suis consternée : cette scène (pourtant très utile, je le reconnais tout à fait, il s’agit de photographier un sénateur en flagrant délit pour le faire chanter) aurait complètement pu être suggérée, mais non, elle a été filmée en plein cadre… Quelle tristesse… Cette série est un merveilleux vecteur de découverte de la Shoah pour le public adolescent, alors pourquoi la scénariste de cet épisode, Nikki Toscano, l’une des coproductrices, impose-t-elle cette scène X de quelques secondes à l’intégralité du public de par le monde, dont des gens qui, comme moi, ne veulent pas voir ces quelques secondes, et dont des adolescents vierges pour qui cette vision, même brève, est violente, d’autant plus qu’elle montre un homme jeune et un homme en âge d’être son grand-père ? Pourquoi le réalisateur et les producteurs valident-ils cette scène qui tirent vers le bas une série bien plus intelligente que cela ?

Mise en abyme : dans l’épisode 5, il y a un énorme clin d’œil à une scène culte d’Un après-midi de chien : le personnage joué par Josh Radnor crie deux fois « Drop your guns » puis trois fois « Attica ».

Un autre clin d’œil tout aussi énorme : dans l’épisode 8, Al dit le nom « Grand Central Station », puis, peu après, une (courte) scène de filature qui a lieu dans ladite gare Grand Central et dans le métro est un décalque de la scène finale de L’Impasse.

Les trois scénaristes qui ont écrit ces deux épisodes ont clairement voulu faire deux clins d’œil à Al et sa carrière, mais ce sont certainement aussi et surtout deux hommages, et je pense qu’il doit être assez vertigineux pour Al de voir à quel point des scènes qu’il a jouées dans plusieurs films sont entrées dans l’histoire du cinéma au point d’être répétées/pastichées dans d’autres films. Je dirais même que c’est probablement l’acteur, toutes époques confondues, qui a le plus de scènes devenues cultes à son actif, si l’on additionne Le Parrain, Scarface, Un après-midi de chien, Le temps d'un week-end, L’Impasse et Heat.

Je parle de la saison 2 à part, la saison 1 étant déjà très riche en informations.

Surprise, cette seconde saison (d’une durée de sept heures) commence d’emblée par un total déséquilibre (sur le plan qualitatif) pour le premier épisode. La première séquence est, comme celle de la première saison, un modèle d’introduction malaisante et magnifiquement photographiée : une toute petite ville allemande bucolique, Green Grass of Home en bande-son (la version de Tom Jones, très bon choix, puisque la version d’Elvis est molle et a mal vieilli), et Jennifer Jason Leigh impressionnante en petit bout de femme habillée très chic, dure, inquiétante et énigmatique. Je n’aime jamais voir jouer cette actrice, qui a toujours l’air raide, dure et mal à l’aise à l’écran — rien à voir avec des femmes comme Sophia Loren et Ingrid Bergman, qui étaient comme des poissons dans l’eau lorsqu’elles étaient filmées, et un bonheur à regarder — et toujours surjouant légèrement, mais force est de constater que cette façon de jouer convient parfaitement à cette scène tellement atypique.

Puis ça se dégrade : on a droit très rapidement à deux brèves scènes pornographiques (le héros entrebâille deux portes dans une maison close, à Paris, l’éternel cliché), et il y en aura deux autres un peu après. Pourquoi ?? On saura pourquoi plus tard, mais je trouve dingue et tellement malsain que le scénariste de cet épisode (et créateur de la série), David Weil, impose au public du monde entier le voyeurisme de quatre actes sexuels non essentiels à l’intrigue. Ne se dit-il pas qu’il y aura des adolescents derrière l’écran ? La pornographie s’est-elle à ce point immiscée dans la vie des gens qu’il pense que cela ne pose aucun problème ?

Et le reste de ce premier épisode ne sauve rien. Le jeune couple (le héros et sa copine) qui se bécote de façon interminable et échange des banalités donne l’impression que l’on est devant une comédie romantique sans intérêt. Le personnage de Logan Lerman, les cheveux désormais longs (étrange croisement entre Keanu Reeves, Aaron Taylor-Johnson et Tahar Rahim), a perdu sa vivacité de jeune homme nerveux et est désormais adulte, calme, posé et inexpressif (inexpressivité qui est hélas accentuée par ses mèches qui cachent l’extérieur de ses yeux et par sa barbe épaisse qui lui mange le visage, il est joli comme un cœur ainsi, mais, pour que le public puisse lire les émotions sur son visage, c’est une énorme erreur de lui avoir donné cette apparence), il y perd, ça inspire beaucoup d’ennui, et je pense que l’acteur n’a tout simplement pas assez de talent pour être bon dans ce type de personnage réservé. Bogart, Gary Cooper et John Wayne savaient être passionnants en étant, en apparence, impassibles, mais ils avaient un charisme vibrant. De nos jours, Michael Fassbender excelle dans ce type de rôle. Mais ce n’est pas donné à tout le monde, loin de là.

Suite du naufrage :

– On redonne à Jerrika Hinton son rôle d’enquêtrice du FBI, mais on la fait minauder, façon Kristen Stewart, et on lui donne des scènes pas du tout crédibles.

– Al se double visiblement lui-même pour une phrase en yiddish et des phrases en allemand, ce qui n’est pas du tout un problème en soi, mais le son n’est pas le même ! On devine que ce petit travail tout simple de postproduction a été mal fait ! (Et il y aura le même problème technique sur d’autres phrases dans un épisode ultérieur.)

– Les chansons françaises de la bande-son (l’action se passant à Paris) sont toutes spécialement nulles.

– L’herbe et l’arbre factices mis sur un quai de Seine sont ridicules quand on connaît Paris.

– Tout ce qui concerne Hitler est très complaisant et étiré excessivement pour épater le spectateur.

– La réalisation et la photographie sont moins brillantes car désormais assez semblables à tant de séries B de luxe formatées sur le même moule (du type fumée dans une ruelle pleine de poubelles).

Il n’y a rien à sauver, on ne retrouve pas du tout la fraîcheur de la première saison. Même la musique du générique de début était bien meilleure pour la première saison.

À partir de l’épisode 2, c’est meilleur, donc j’en viens à penser que l’équipe a eu la pression, ou s’est mis la pression, pour réussir le début de cette seconde saison, et la pression est souvent contre-productive. Mais la narration va et vient en permanence entre passé et présent, donc on s’y perd un peu, bien que l’année soit notée au début de chaque nouvelle séquence, et ça crée deux histoires différentes, ce qui fait que l’on doit à chaque fois se remettre dans le bain… Ce n’est qu’au bout d’un certain temps que j’ai compris que les scènes dans le passé, avec Al dans le rôle central, étaient antérieures à ce qui s’est passé dans la saison 1 (donc un prequel), et l’autre intrigue, avec la bande des Hunters reformée, est, classiquement, postérieure aux épisodes de la saison 1 (mais avec moult allusions à des choses qui se sont passées entre la saison 1 et la saison 2, et que, contre toute attente, on ne verra jamais à l’écran en flash-back).

Force est de constater que c’est la partie avec Al qui est la meilleure. Et je dois dire que je suis admirative du fait qu’à 82 ans, Al soit, une fois de plus, aussi passionnant à voir : toujours inspiré dans son jeu et imposant de charisme, tout en étant très naturel, et dans un registre plus sombre cette fois-ci, moins léger que dans la première saison, ce qui rend son rôle d’autant plus captivant. Et je ne comprends pas une seule seconde pourquoi, selon Wikipédia, il a un statut d’invité dans la saison 2 : non, il est aussi présent à l’écran que dans la première saison ! Et, sur un plan cinématographique, son rôle est encore plus fort, puisque Meyer Offerman n’est plus le grand-père idéal que j’ai décrit plus haut pour la saison 1, c’est un homme bien plus complexe (je n’en dis pas plus). Cerise sur le gâteau, à 82 ans, il ne paraît guère plus que ses 79 ans de la première saison.

Moment de grâce : dans le quatrième épisode, à la 18e minute, les quinze premières secondes de Up around the bend, de Creedence Clearwater Revival, avec travelling avant sur Al ultra-chic en costume et Ray-Ban Aviator… Mythique. Excellente trouvaille. Hommage à la séduction intacte d’Al du haut de ses 82 ans. (Hélas, patatras, cette scène ultra-classieuse est suivie, trois secondes plus tard, d’un rapport sexuel à l’écran, qui se veut comique, mais qui reste un rapport sexuel explicite et bruyant.)